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Federico Garcia Lorca, de Fuente Vaqueros en el sur de España nació en 1898 y trabajó como un poeta y dramaturgo. Lorca ha sido venerado como uno de los más influyentes y ampliamente leídos poetas españoles del siglo XX y se asocia con la española generación poética de 1927. Después de los éxitos extendidos de sus anteriores obras, Poema del cante jundo (1931) y Primer romancero gitano (1924-27) en España, Lorca viajó a Nueva York en 1929, debido a su depresión y también para escapar de la etiqueta que ha adquirido como un Andalucía 'poeta gitano'.
Con respecto a su decisión de mudarse a Nueva York él fue citado: “Nueva York me parece horrible, pero por eso mismo me voy allí” (376). Sus pensamientos, sentimientos y impresiones de Nueva York emergen en los poemas que él produjo allí. La gran obra, Poeta en Nueva York, fue publicada póstumamente en 1940. A menudo considerado como surrealista y difícil de interpretar, esta colección de poemas permanece uno de los logros más significativos y estudiados de Lorca y sus sentimientos melancólicos sobre el ambiente urbano y el yo.
La influencia de el entorno y sus las culturas respectivas sirven como temas más relevantes en todo la obra y puede ser encontrado en las diferencias del vocabulario, imágenes y ritmo de la gran corpus literaria que Lorca produjo en Nueva York.
Poeta en Nueva York ofrece la visión de su nuevo entorno urbano de Lorca y se separa de sus anteriores tendencias estilísticas de folclóricas en su poesía de balada gitana. Reflejado tanto en su poesía y cartas personales a sus amigos y familia, su transición desde España a Nueva York representó un momento extremadamente deprimido y desilusionado de la vida del autor. Un artículo publicado antes de la ejecución del poeta ya reconocido el carácter de la obra a pesar de que aún no se había publicada: “Fué para él su estancia en la ciudad, revelación de un mundo nuevo, de intenso dramatismo, cuyo espíritu inquietante recogerá en poemas de tono y factura aparentemente opuestos a lo más conocido de su obra anterior” (177, Río).
Analizaremos la colección según tres dimensiones diferentes del texto: el elemento verbal, los visuales y la calidad rítmica. Los componentes verbales incluyen el vocabulario elegido y el tono implícita. Las visuales representan la imagen mental Lorca crea para encapsular sus sentimientos y pensamientos sobre la ciudad. Por último, el aspecto rítmico de la colección demuestra la influencia de la música local y la divergencia de Lorca de su anterior orígenes folclóricos.
Susan Polansky observa: “Both Lorca and Salinas expressed their grave concerns about the dangers to humanity they saw lurking in the urban environment”(451). Vocabulario apoya el cambio intencionado en el tono en que Lorca utiliza para ilustrar sus sentimientos sobre la ciudad. El título de la primera parte de la colección, 'Poema de la soledad en la universidad de Colombia' y también la primera línea del poema “Asesinado por el cielo...” (421) insinúa al tono de sufrimiento. Estos sentimientos se transmiten a través de la lengua de los poemas y algunos de los títulos también: Danza de ka muerte, Paisaje de la multitud que vomita: Anocher de Coney Island, Niña ahogada en el pozo: Granada y Newburg, Muerte, y Crucifixión. Los temas de la muerte, miseria, la desagradable, soledad, religión para salvación, el sufrimiento, y el grotesco resuenan a lo largo y crean un tono de disgusto a través prácticas surrealistas en el uso de la lengua.
Las palabras individuales dentro los poemas que Lorca utiliza también transmitir el tono deseado y frustraciones que sentía en el ambiente extranjero por crear imágenes grotescas. Algunas de las palabras y frases usadas en la poesía incluyen: cáncer, caracoles, muertos, gusanos, plazas desierta, vomito, momias, venas y mucho más. Robert Havard sugiere el uso consistente de la lengua gruesa: “serves as an extended metaphor of the poet's tormented self, but it also shows the social evils and degenerate values that provoke his anguish (Havard, 446).
Además él declara que el título del la colección completa, Poeta en Nueva York, representa “the balance and sense of interaction between the two terms, self and city (Havard, 446). A pesar de que muchas de las palabras seleccionadas no existen tradicionalmente en un entorno urbano, Lorca curiosamente traduce sus emociones sobre la ciudad en una plétora vocabulario espeluznante. Él declara su miedo y actitud hacia la ciudad con la línea en Danza de la muerte: “Oh salvaje Norteamérica!” (438).
Otra dimensión para observar es los elementos visuales de la poesía que Lorca se usa para expresar la frialdad de la vida moderna. Las imágenes sirve como un de los aspectos más importantes de Poeta en Nueva York y expresa nociones como la batalla del individuo contra su entorno crudo. El título Poeta en Nueva York pone un individuo (el poeta) contra una ciudad enorme de desafíos; varios poemas en toda la colección también mantienen esta idea. En Paisaje de la multitud que vomita, Lorca usa una figura, el poeta, entre repugnante multitudes de personas, 'la multitud que vomita', indefensa y aterrorizada :“yo, poeta sin brazos, perdido entre la multitud que vomita” (438).
Este poema se concentra fuertemente en mórbida imágenes para describir eficazmente el medio ambiente urbano, y la insignificancia y la impotencia del individuo dentro de ella.
Además, Lorca explícitamente a sí mismo y su dolor y sufrimiento en todas partes del colección: “¡Ay de mi! ¡Ay de mi! ¡Ay de mi!” (438). Esta referencia da una explicación de las expresiones oscuras y consistentes sobre la ciudad. El autor con frecuencia se describe a sí mismo como sufrimiento con disgusto dentro de su entorno y permanece en un conflicto con la ciudad y de sí mismo. Por seo, él se deteriora y comienza a lamentar todas las partes de la modernidad.
El aspecto final de la colección que veremos es el ritmo. La noción de la influencia de la música en la obra de Lorca y específicamente en Poeta en Nueva York ha sido ampliamente discutido y caracteriza su trabajo. Lorca mantuvo siempre un interés por la música y fue entrenado en su patria. La música folklórica de Granada tuvieron una gran influencia en sus obras anteriores, Poema del cante jundo y Primer romanceo gitano. No es una sorpresa que Lorca tuvo un profundo interés en las diferencias en la música en Nueva York; específicamente los sonidos del jazz que se encontraron en Harlem durante este tiempo.
Algunos críticos dicen que la comprensión de la influencia de los 'sonidos negros' es absolutamente necesaria para descifrar Poeta en Nueva York. Este elemento de la música, añade otra dimensión que otra poesía carece y contribuye a la calidad duradera del trabajo de Lorca:“Lorca's sound metaphors add an aural dimension to his vision of New York, as do voices of characters, both animal and human, who join in the wail that is Poeta en Nueva York” (Higganbotham, 781).
La actualización más obvia de la música en estos poemas puede ser encontrada en el uso de repetición: “¡Ay Harlem! ¡Ay Harlem! ¡Ay Harlem!” (429) y referencia explícita. La atracción de Lorca a la gente y la música de Harlem se representa mejor en ‘El rey de Harlem’. Higganbotham sugiere que la “image of a black man as tribal king may be based on the sounds and rites and rhythms Lorca could easily have observed or heard emanating form the dark Harlem spaces he visited there” (780). Aparte de las representaciones más obvia de la música, el lenguaje surrealista que Lorca utiliza también representa la libertad del jazz que Lorca se inspiró en Harlem.
Polansky comenta sobre estas calidades: “naturalness, spontaneity, sensuality- are widely associated with music, often considered open-ended, subjective, and lacking in interpretive specificity” (Polansky, 453) A pesar de la lengua compleja, profunda y difícil que Lorca emplea, él mantiene una estructura clara, como el jazz que puede asistir al lector en la comprensión de la obra.
Los elementos verbales representan un tono constante de varios modos y construyen y apoyan el aspecto visual también. El aspecto visual sin embargo, crea más del sentido del trabajo y guía lector a pensar más en las yuxtaposiciones que Lorca usa. Además, los elementos visuales apoyan a la verbal por dar un significado a las innumerables grotesco palabras y frases que utiliza. Por último, la calidad rítmica o el aspecto auditivo añade otra dimensión a la obra que muchos otros carecen.
Esto es quizás la adición más significativa y memorable del trabajo. A causa de apreciación de Lorca y su incorporación de la música en su trabajo, los elementos de jazz ayudar en la interpretación de la colección. Aunque el trabajo final de Federico García Lorca contiene una multitud de imágenes inquietantes, el dolor y el sufrimiento, la estructura elocuente, influencias y calidad multifacético le atribuyen al su importancia profunda.
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Federico Garcia Lorca, de Fuente Vaqueros en el sur de España nació en 1898 y trabajó como un poeta y dramaturgo. Lorca ha sido venerado como uno de los poetas españoles más influyentes y ampliamente leídos del siglo XX y se le asocia con la española generación poética de 1927. Después de los éxitos de sus anteriores obras, Poema del cante jondo (1931) y Primer romancero gitano (1924-27) en España, Lorca viajó a Nueva York en 1929, debido a su depresión y también para escapar de la etiqueta que ha adquirido como un Andalucía 'poeta gitano'. Por lo que se refiere a su razón de mudarse a Nueva York él fue citado diciendo: “Nueva York me parece horrible, pero por eso mismo me voy allí” (376). Sus pensamientos, sentimientos e impresiones de Nueva York emergen en los poemas que produjo allí. La gran obra, Poeta en Nueva York, fue publicada póstumamente en 1940. A menudo considerado como surrealista y difícil de interpretar, esta colección de poemas permanece como uno de los logros más significativos y estudiados de Lorca y sus sentimientos melancólicos sobre el ambiente urbano y el yo. El entorno y las culturas son los temas más relevantes en todo la obra y pueden ser encontrados en las diferencias del vocabulario, imágenes y ritmo de la gran corpus literaria que Lorca produjo en Nueva York.
Poeta en Nueva York ofrece la visión de su nuevo entorno urbano de Lorca y se separa de sus anteriores tendencias estilísticas folclóricas de su poesía de balada gitana. Reflejado tanto en su poesía y sus cartas personales a sus amigos y familia, su transición desde España a Nueva York representó un momento extremadamente depresivo y desilusionado de la vida del autor. Un artículo publicado antes de la ejecución del poeta ya reconocía el carácter de la obra a pesar de que aún no se había publicada: “Fué para él su estancia en la ciudad, revelación de un mundo nuevo, de intenso dramatismo, cuyo espíritu inquietante recogerá en poemas de tono y factura aparentemente opuestos a lo más conocido de su obra anterior” (177, Río).
Analizaremos la colección en tres dimensiones diferentes del texto: el elemento verbal, el visual, y la calidad rítmica. Los componentes verbales incluyen el vocabulario elegido y el tono. Las visuales representan la imagen mental que Lorca crea para encapsular sus sentimientos y pensamientos sobre la ciudad. Por último, el aspecto rítmico de la colección demuestra la influencia de la música local y la divergencia de Lorca de su anterior orígenes folclóricos.
Susan Polansky observa: “Both Lorca and Salinas expressed their grave concerns about the dangers to humanity they saw lurking in the urban environment”(451). El vocabulario apoya el cambio intencionado en el tono en que Lorca utiliza para ilustrar sus sentimientos sobre la ciudad. El título de la primera parte de la colección, 'Poema de la soledad en la universidad de Colombia' y también la primera línea del poema “Asesinado por el cielo...” (421) insinúa el tono de sufrimiento. Estos sentimientos se transmiten a través de la lengua de los poemas y algunos de los títulos también: Danza de la muerte, Paisaje de la multitud que vomita: Anochecer de Coney Island, Niña ahogada en el pozo: Granada y Newburg, Muerte, y Crucifixión. Los temas de la muerte, miseria, lo desagradable, la soledad, la religión para salvación, el sufrimiento, y el grotesco resuenan a lo largo y crean un tono de pena a través prácticas surrealistas en el uso de la lengua.
Las palabras individuales que Lorca utiliza en los poemas también transmiten el tono deseado y las frustraciones que sentía en el ambiente extranjero por crear imágenes grotescas. Algunas de las palabras y frases usadas en la poesía incluyen: cáncer, caracoles, muertos, gusanos, plazas desiertas, vomito, momias, venas y mucho más. Robert Havard sugiere el uso consistente de la lengua gruesa: “serves as an extended metaphor of the poet's tormented self, but it also shows the social evils and degenerate values that provoke his anguish (Havard, 446). Además Havard declara que el título del la colección completa, Poeta en Nueva York, representa “the balance and sense of interaction between the two terms, self and city (Havard, 446). A pesar de que muchas de las palabras seleccionadas no existen tradicionalmente en un entorno urbano, Lorca curiosamente traduce sus emociones sobre la ciudad en una plétora vocabulario espeluznante. Lorca declara su miedo y actitud hacia la ciudad con la línea en Danza de la muerte: “Oh salvaje Norteamérica!” (438).
Otra dimensión para observar son los elementos visuales de la poesía que Lorca usa para expresar la frialdad de la vida moderna. Las imágenes sirve como uno de los aspectos más importantes de Poeta en Nueva York y expresa nociones como la batalla del individuo contra su crudo entorno. El título Poeta en Nueva York pone el individuo (el poeta) contra una ciudad de enormes desafíos; varios poemas en la colección también mantienen esta idea. En Paisaje de la multitud que vomita, Lorca usa la figura del poeta, que habita entre repugnantes multitudes de personas, 'la multitud que vomita', indefensa y aterrorizada :“yo, poeta sin brazos, perdido entre la multitud que vomita” (438). Este poema se concentra fuertemente en mórbidas imágenes para describir eficazmente el medio ambiente urbano, y la insignificancia y la impotencia del individuo en ella.
Además, Lorca explícitamente clama su dolor y sufrimiento en todas partes del colección: “¡Ay de mi! ¡Ay de mi! ¡Ay de mi!” (438). Esta referencia da una explicación de las expresiones oscuras y consistentes sobre la ciudad. El autor con frecuencia se describe a sí mismo sufriendo y rechazando su entorno, y permanece en un conflicto con la ciudad y consigo mismo. Por eso, Lorca siente se deteriora y comienza a lamentar todas las partes de la modernidad.
El aspecto final de la colección que veremos es el ritmo. La influencia de la música en la obra de Lorca y específicamente en Poeta en Nueva York ha sido ampliamente discutida como característica de su obra. Lorca mantuvo siempre un interés por la música. La música folklórica de Granada tuvieron una gran influencia en sus obras anteriores, Poema del cante jondo y Primer romancero gitano. No es una sorpresa que Lorca tuvo un profundo interés en diferentes músicas de Nueva York; específicamente los sonidos del jazz que se encontraban en Harlem durante este tiempo. Algunos críticos dicen que la comprensión de la influencia de los 'sonidos negros' es absolutamente necesaria para descifrar Poeta en Nueva York. Este elemento de la música, añade otra dimensión que la poesía en general carece y contribuye a la calidad duradera del trabajo de Lorca:“Lorca's sound metaphors add an aural dimension to his vision of New York, as do voices of characters, both animal and human, who join in the wail that is Poeta en Nueva York” (Higganbotham, 781).
La actualización más obvia de la música en estos poemas puede ser encontrada en el uso de repetición: “¡Ay Harlem! ¡Ay Harlem! ¡Ay Harlem!” (429) y referencia explícita. La atracción de Lorca a la gente y la música de Harlem se representa mejor en ‘El rey de Harlem’. Higganbotham sugiere que la “image of a black man as tribal king may be based on the sounds and rites and rhythms Lorca could easily have observed or heard emanating form the dark Harlem spaces he visited there” (780). Aparte de las representaciones más obvia de la música, el lenguaje surrealista que Lorca utiliza también representa la libertad del jazz de la que Lorca se inspiró en Harlem. Polansky comenta sobre estas calidades: “naturalness, spontaneity, sensuality- are widely associated with music, often considered open-ended, subjective, and lacking in interpretive specificity” (Polansky, 453) A pesar de la lenguaje complejo, profundo y difícil que Lorca emplea, mantiene una estructura clara, con el jazz asistiendo al lector en la comprensión de la obra.
Los elementos verbales representan un tono constante de varios modos, que construyen y apoyan el aspecto visual. El aspecto visual, sin embargo, crea más el sentido del trabajo y guía lector a pensar más en las yuxtaposiciones que Lorca usa. Además, los elementos visuales apoyan el elemento verbal, contribuyendo a dar significado a palabras y frases grotescas. Por último, la calidad rítmica o el aspecto auditivo añade otra dimensión a la obra que muchos otros o de la poesía e general carecen. Esto es quizás la adición más significativa y memorable de su obra. A causa de apreciación de Lorca y su incorporación de la música en su trabajo, los elementos de jazz ayudar en la interpretación de la colección. La obra que Federico García Lorca creó a partir de su estancia en Nueva York contiene una multitud de imágenes inquietantes, llenas de dolor y sufrimiento: la estructura elocuente, las influencias y la calidad multifacética de esta obra la convierten en una pieza fundamental del repertorio lorquiano y del conjunto de la poesía en lengua española .
Still don't feel very confident about it though!
